Un cuaderno de bitácora para navegar por la historia del arte. Cada entrada está relacionada con algunos de los estadios de la creación artística a lo largo de la Historia. Desde la Prehistoria hasta la más rabiosa actualidad. Todo un curso al ritmo pausado del calendario. Para aquellos que consideran que el arte existe porque la vida no es suficiente.

10/13/2017

ANÁLISIS DE UNA OBRA ARQUITECTÓNICA ROMANA


    Estimados alumnos y alumnas, aquí os dejo las principales obras de referencia de la arquitectura romana. Elegid aquella que gustéis y realizad el correspondiente análisis. He dejado fuera las obras de ingeniería (acueducto de Segovia o puente de Alcántara, por ejemplo) y los monumentos conmemorativos (arco de Tito y columna Trajana); éstos últimos por considerar que su relevancia es mayor en el ámbito de la escultura, donde abordaremos los relieves que contienen como muestra del carácter narrativo y propagandístico del arte romano.
Que paséis un feliz puente (aunque no sea romano).
El profesor

10/12/2017

VIDEOS DE ALGUNOS EDIFICIOS EMBLEMÁTICOS DE LA ARQUITECTURA ROMANA












He aquí, además, un magnífico enlace sobre la arquituctura romana en España; puede serviros tanto para repasar las características generales como para profundizar en el conocimiento de las distintas tipologías arquitectónicas y los edificios más importantes construidos en Hispania.


http://www.spanisharts.com/arquitectura/roma.html

LA ARQUITECTURA ROMANA Y SUS TIPOLOGÍAS. MAPAS VISUALES.




Una vez examinadas las características generales de la arquitectura romana, es conveniente repasar sus más importantes tipologías; aquí tenéis una diapositiva que ofrece una visión global sobre este aspecto del tema.Para poder documentar el tema del arte romano de forma completa, es conveniente que activéis todas las entradas referidas al ARTE ROMANO en la sección ETIQUETAS.

10/11/2017

LA ARQUITECTURA ROMANA, ENLACES A SLIDESHARE



En los siguientes enlaces de SLIDESHARE, podéis acceder a las diferentes presentaciones sobre la arquitectura romana que veremos en clase:


EL URBANISMO ROMANO:



CARACTERÍSTICAS GENERALES DE LA ARQUITECTURA ROMANA:



TIPOLOGÍAS ARQUITECTÓNICAS Y OBRAS MÁS SIGNIFICATIVAS:

VIDEOS DE ALGUNOS EDIFICIOS EMBLEMÁTICOS DE LA ARQUITECTURA ROMANA












He aquí, además, un magnífico enlace sobre la arquituctura romana en España; puede serviros tanto para repasar las características generales como para profundizar en el conocimiento de las distintas tipologías arquitectónicas y los edificios más importantes construidos en Hispania.


http://www.spanisharts.com/arquitectura/roma.html

10/10/2017

LAS CLAVES DE LA CIVILIZACIÓN ROMANA




    Los esquemas visuales os darán una visión global de los referentes históricos del arte romano; no obstante, la PPT os ofrece, de manera más amplia y documentada, una visión de la civilización romana acorde con nuestras necesidades de contextualización del arte romano.




Y un texto que no introduce en la importancia que el arte (y el coleccionismo de obras de arte) tuvo en la antigua Roma.


“Pero el coleccionismo helenístico quedó reemplazado por las directrices artísticas, y a veces museográficas, de la cultura romana. Y es lógico que triunfase en Roma donde el aparato estatal envía al pueblo sus emisiones por medio de la imagen. La imagen lo es todo: propaganda, información, ilustración, noticia… Y en esta civilización pragmática sobresale como factor esencial la pura visualidad. El comercio artístico en Roma, aparte las producciones nacionales, se basa en la exportación, expoliación y botines de guerra. Y así, el primer “descubrimiento” del arte griego se debe al expolio de Marcelo en Siracusa, al llevar consigo cuadros y estatuas de tierras helénicas. Ello supuso sentar un auténtico precedente para el futuro desarrollo del coleccionismo romano. Volver de la batalla sin mármoles y bronces griegos era no sólo privar a la República de un prestigio reconocido y al pueblo de un patrimonio cultural creciente, sino perder un “status” social que quedaba a salvo con una triunfante decoración casera. Desde entonces, no hubo jefe que a la vuelta de su campaña militar no trajera consigo su “trofeo” que se exponía, a efectos propagandísticos, en “lugares públicos”, como el pórtico de Metelo, el de Catulo, Livia o en el atrio de la Libertad, el que sirvió de museo para la colección obtenida por Asinio Polión, una de las más sonadas victorias, militar y artística.
El derecho a la propiedad de las ganancias era incontestable, con lo que muchos generales, imitando el “buen gusto” de Lúculo, adornaron su casa con los botines y así, se consolidó definitivamente el fenómeno del coleccionismo. Toda casa de miembros dirigentes de la sociedad tenía que tener su biblioteca, pinacoteca, obras de arte y bronces griegos y helenísticos. Y, si no había posibilidades de originales, esa “limitación” se cubría con copias realizadas por expertos; expertos conocedores del arte que surgieron lógicamente para dirigir el gusto de los coleccionistas y ejercer sus funciones en una sociedad consumidora de arte. Y, pese a que los motivos que hicieron surgir estas “colecciones privadas” eran extraartísticos, la deleitación y el conocimiento de sus dueños sobre las obras adquiridas era obligado; el nivel social, ascendente; el prestigio cultural, reconocido; la exposición privada de las obras, instrumento de fuerza político-social insospechada, amén del buen gusto que desplegaban en la decoración al exponerlas a la moda en uso. Estos motivos “hedonistas” y “snobistas” fueron la base sustancial del coleccionismo; todo un “hobby”.
(En: Aurora León: “El museo. Teoría, praxis y utopía”, 1978)

10/06/2017

ANÁLISIS Y COMENTARIO DE UNA OBRA ESCULTÓRICA GRIEGA



    Estimados alumnos y alumnas, aquí tenéis las obras de referencia de la escultura griega (no están todas las que son, pero he tenido que reducir su número... y se echa a faltar alguna obra del maestro Fidias, como una metopa del Partenón, por ejemplo), para que elijáis una y la analicéis a fondo siguiendo las pautas propias del análisis de obras escultóricas.
Un cordial saludo.


10/04/2017

LAS CURVAS DEL MÁRMOL. PRAXÍTELES Y EL CLASICISMO TARDÍO.

Afrodita de Cnido. Copia romana en mármol

LAS CURVAS DEL MÁRMOL     Praxíteles, cuya vida como la de la mayoría de los artistas griegos está bastante teñida de fantasía, es conocido como el primer escultor en realizar un desnudo femenino, la Afrodita de Cnido. El hecho no es anecdótico porque los griegos habían representado el cuerpo masculino desnudo desde sus primeras esculturas arcaicas, pero el femenino había aparecido siempre cubierto de ropa, aunque a finales del siglo V estos ropajes desnudaran más que cubrieran.
La aparición del desnudo femenino implicaba un cambio de mentalidad y un ideal cultural que pasaba de ser representado por el atleta, viril, encarnación de los valores cívicos de la polis -entre los cuales la guerra, que en la cultura griega era concebida en términos civilizadores-, a un ideal humano afeminado, para el cual los valores del arte y del pensamiento cuentan más que los atléticos. Praxíteles prefería la escultura en mármol al bronce más propio del siglo V, e incluso su concepción del modelado, muy sutil, con suaves pasajes de la oscuridad a la luz, llevó a que algunas de sus esculturas estuvieran policromadas por Nicias, un famoso pintor.
Praxíteles parte del clasicismo pero apunta al helenismo. En el siglo V antes de Cristo, Polícleto, autor del Doríforo, una escultura que dominó todo el siglo, como el Hermes de Praxíteles lo haría en el siglo IV, escribió un libro, el Kanon o Regla, donde establecía las relaciones de proporción mutua entre las diferentes partes del cuerpo humano, normativas y matemáticas, introduciendo un naturalismo idealizado que buscaba conciliar la observación de la naturaleza con un ideal de belleza, el del atleta fuerte y maduro. Praxíteles une también la observación de la naturaleza con el ideal de belleza, pero no le interesa el atletismo con todo lo que conlleva. Sus dioses son jóvenes y esbeltos, animados de un movimiento ondulante y sensual que sería conocido en la posterior historia del arte como "curva praxiteliana", una línea que recorre todo el cuerpo dotándolo de un ritmo flexible. Incluso Apolo, el dios representado por Fidias potente y bello, es presentado por Praxíteles en el Apolo Sauróctono como un adolescente sin musculatura y en una actitud juguetona, apoyado en un tronco de árbol mientras persigue una lagartija con una flecha. Para Praxíteles los dioses ya no son encarnaciones místicas de fuerzas abstractas sino seres con intensidad y humanidad.
Los ideales de la polis del siglo V habían caído en descrédito y una época de mayor ambigüedad, que comenzaba a descubrir el individualismo y el placer estaba en ciernes. Praxíteles es no solamente un gran escultor, sino también un verdadero innovador que plasmó en sus obras una nueva visión del arte y de la vida.
Este artículo está firmado por Estela Ocampo, profesora de Teoría del Arte en la UPF.
Publicado en el diario EL PAÍS (21.03.2007)

10/03/2017

LA ESCULTURA GRIEGA: PRESENTACIONES (PPT)

Aquí os dejo las PPT sobre la escultura griega, conviene seguirlas en orden cronológica para tener una visión evolutiva de la escultura.





El Arte Griego La Escultura General Y Arcaica from Tomás Pérez Molina




La Escultura Griega El Clasicismo from Tomás Pérez Molina




La Escultura Griega La Etapa HeleníStica from Tomás Pérez Molina




LA ESCULTURA GRIEGA. LA EVOLUCIÓN DEL IDEAL DE BELLEZA A TRAVÉS DE LA ESCULTURA

LA ESCULTURA GRIEGA O ALUCINANDO EN COLORES

   
     Alfredo Rivero Rodríguez, colega en la enseñanza de la Historia del Arte, ha presentado en su blog HISTORIARTE una extraordinaria entrada (Policromía en la estatuaria clásica) sobre la escultura griega. Me permitirá, y nos permitirá a todos, disfrutar de las imágenes y de sus sabios comentarios, que paso a transcribir sin más demora:

"Es curioso como la imagen que tradicionalmente se asocia a la estatuaria clásica en general y a la griega en particular, es la de una piedra caliza o la de un mármol blanco. Esta idea se consolidó a partir de las excavaciones que se realizaron ya desde el neoclasicismo, estilo éste, que más que copiar la antigüedad clásica la recrea y contribuye poderosamente a asociar esa imágen sin policromia del arte clásico.
Bien, la realidad fue otra y tanto los templos como las esculturas solían estar policromadas. Tan acostumbrados estamos a la imágen tradicional de la estatuaria clásica sin policromía que resulta "raro" verlas policromadas.
En 2007 el El Museo Nacional de Arqueología de Atenas presentó una exposición de réplicas de 21 estatuas clásicas. La idea fue lanzada por el Museo de Esculturas (Gliptoteca) de Múnich (Alemania) tras más de una década de investigación y la exposición, titulada 'Dioses en color', ha sido presentada en otras capitales europeas desde 2004.
La Universidad de Múnich necesitó 17 años para completar un estudio basado en el arte de la manera en que los griegos de la Antigüedad pintaban las estatuas de mármol."





Paris, héroe de la guerra de Troya.




Atenea Lemnia

Apolo Parnopios, Fidias

Kore del Peplo

Apolo Parnopios de nuevo, Fidias

Augusto de Prima Porta. Escultura Romana

Retrato del emperador Calígula

Espero que las imágenes contribuyan a clarificar "nuestra visión" del arte clásico. No obstante, convendría que no cayésemos en el desánimo si las imágenes resultan demasiado.... estridentes para nuestro gusto!

LA ESCULTURA GRIEGA: MAPAS CONCEPTUALES




Aquí os dejo algunos de los mapas visuales-conceptuales que utilizaremos en clase, por si os fueran de utilidad para fijar los elementos básicos de la escultura griega. No obstante, recordad que podéis descargar todas las presentaciones del arte griego en la página de slideshare.

9/30/2017

LA ARQUITECTURA GRIEGA: IDENTIFICACIÓN Y ANÁLISIS DE UNA OBRA ARQUITECTÓNICA.

  
   Estimados alumnos y alumnas, aquí tenéis las imágenes de las principales obras de referencia de la arquitectura griega. Elegid UNA de las tres que se proponen y realizad su identificación y análisis siguiendo las pautas comentadas en clase. Podéis utilizar el guión que aparece en la presentación y que vimos en el aula, o cualquier otro que os resulte apropiado; pero, sea el que sea el que elijáis, seguid siempre un orden que resulte coherente y que aborde las tres fases o etapas propias del análisis de obras de arte (identificación y clasificación, análisis formal y técnico, interpretación y contextualización).
Recordad: podéis consultar diversos análisis de los que circulan por la red o en la bibliografía, pero el único análisis que os resultará útil es el que vosotros hagáis. El comentario lo quiero hecho a mano.
   El trabajo se entregará entre el martes y el miércoles próximo; el retraso se penalizará a razón de 2 puntos menos por día, siendo el viernes el último para realizar la entrega; a partir de esa fecha, no se recogerá ningún comentario.

El profesor

9/28/2017

EL ARTE GRIEGO: LA ARQUITECTURA.

La presentación sobre la Arquitectura griega. En ella se examinan los fundamentos filosóficos y matemáticos de la edilicia griega, así como las características técnicas y formales de la misma. Especial atención merece todo lo relacionado con los órdenes arquitectónicos creados por los griegos. La presentación concluye con un repaso de las grandes creaciones arquitectónicas de Grecia.

 
El Arte Griego La Arquitectura from Tomás Pérez Molina



Y un enlace al programa españoles por el mundo, que se va a Grecia para contarnos las experiencias de algunos paisanos en las tierras de la antigua Hélade:

http://www.rtve.es/mediateca/videos/20091013/espanoles-mundo--atenas/604343.shtml

EL URBANISMO DE LAS ANTIGUAS POLIS GRIEGAS


Plano de la ciudad de Mileto


EL URBANISMO GRIEGO
El urbanismo de las ciudades griegas estuvo condicionado por tres factores:
a.     El carácter independiente de la Polis (ciudad-estado).
b.     La accidetantada topografía de la Hélade.
c.     El desarrollo de la democracia en Atenas y la primacía del ciudadano frente a la autoridad.

Los antecedentes
    El comienzo del urbanismo griego puede hallarse en las ciudades minoico-micénicas, siendo las características de éstas:
·       Son mucho más irregulares que las mesopotámicas, no habiendo grandes avenidas
·       Se sitúan en lugares accidentados, adaptándose a la topografía
·       Las ciudades se encuentran amuralladas
·       Es una civilización más elevada y libre que la de Mesopotamia. El rey pierde su carácter divino, encontrándose el palacio en la plaza y no aislado
·       Ejemplos: Tirinto y Micenas

La Polis democrática
   La polis democrática o ciudad-estado es la base de la organización política y social griega. Al principio se situaban en una colina para defenderse del enemigo bajando posteriormente a la llanura y amurallándola. Con el tiempo, la ciudad quedará dividida en dos áreas diferenciadas:

·       Alta: la acrópolis o ciudad vieja. Es el lugar donde se sitúan los templos y la última línea defensiva. Es la zona sagrada de la polis, divisable desde la lejanía del mar o la llanura por su posición elevada sobre el territorio.

·       Baja: donde se desarrollan las actividades comerciales y las relaciones sociales; es el espacio propio de la vida ciudadana. En ella se ubican los principales espacios y edificios públicos y las viviendas privadas. Podemos destacar los siguientes:
·       El hogar común: antes era el palacio del rey y se denominaba pritaneo. Estaba consagrado al dios protector de la ciudad, donde se hacían los sacrificios y banquetes rituales y donde se recibía a los huéspedes extranjeros.
·       Bouleterion: era una sala cubierta que servía para que se reuniese el consejo de los nobles o de los representantes de la asamblea de los ciudadanos.
·    Ágora: lugar de reunión de la asamblea de los ciudadanos que estaba situada, normalmente, en la plaza del mercado. En torno a ella se van desarrollando otras edificaciones orientadas al disfrute de los ciudadanos: estadios para el deporte y juegos, teatros, etc. La democracia no facilitará el desarrollo de edificios palaciegos para residencia del poder político.

    La ciudad-estado tenía una población reducida, debiendo tener la suficiente para formar un ejército pero no demasiada para el buen funcionamiento del sistema democrático (Ágora) y conocimiento entre los ciudadanos para elegir a los representantes en la Asamblea. Podemos resumir sus características en: la ciudad es un todo único; no existían zonas cerradas o independientes; las viviendas eran todas del mismo tipo, aunque no del mismo tamaño. No existían barrios diferenciados por clases sociales. Se distribuían libremente, sin una ordenación especial, por lo que su aspecto era desordenado e irregular. Las calles tenían un trazado irregular, eran estrechas y se consideraban un lugar de tránsito y no de encuentro, pues para eso estaba el ágora.
     La ciudad en su conjunto formaba un organismo artificial inserto en el ambiente natural y unido a él por una cuidada relación, por lo que muchos espacios se dejaban intactos. El organismo de la ciudad se desarrollaba con el tiempo. Cuando la ciudad alcanzaba una cierta dimensión, ya no crecía más y se creaban nuevas ciudades (neópolis). Otras veces se creaba una colonia en otro país, y en muchos casos su trazado ya se hacía con criterios más racionales, ortogonales.

El Urbanismo Hipodámico:
     Hipódamo de Mileto, filósofo y geómetra, es el primer urbanista con criterio científico conocido. Proyectó la reconstrucción de la ciudad de Mileto en el 475 a. de C., tras la destrucción de la misma por los persas. Se le asigna la creación de la ciudad en cuadrícula (trazado ortogonal) que se extendió durante la colonización. Las calles son perpendiculares, creando una parrilla rectangular con calles estrechas (las principales menores de 10 metros y las secundarias menores de 5 metros) y con el perímetro sin formar figura regular, extendiéndose hasta los obstáculos naturales. La línea de murallas sigue las cotas mejor defendibles. Este modelo apuesta por la integración del urbanismo y la política en un espacio racionalmente concebido (geometría), para favorecer el desarrollo de una sociedad igualitaria. Servirá de ejemplo en la construcción de ciudades posteriores.
Ejemplos: Rodas, Mileto, Olinto

    Como conclusión, podemos decir que esta preocupación por ordenar y construir un espacio al servicio del ciudadano (antropocentrismo), teniendo en cuenta la escala constructiva (anticolosalismo) y las dimensiones de los edificios, así como las relaciones de éstos con el espacio exterior (entorno), nos permite afirmar que el urbanismo, como ciencia capaz de ordenar racionalmente el desarrollo de la ciudad, nacio en la antigua Grecia. Su influencia se dejará sentir en épocas posteriores y llegará hasta la actualidad.


Una excelente presentación del profesor Alfredo García sobre la reconstrucción llevada a Cabo en la antigua Atenas en el s. V a. de C., después de las Guerras Médicas.




En el siguiente enlace podéis acceder a su blog y profundizar en el conocimiento del urbanismo griego antiguo.

http://algargosarte.lacoctelera.net/post/2010/11/07/urbanismo-griego-la-polis-arcaica-la-polis-helen-stica
URBANISMO GRIEGO. DE LA POLIS ARCAICA A LA POLIS HELENÍSTICA. ATENAS, EL PIREO Y MILETO.

UN PASEO POR LA ANTIGUA ATENAS: LAS GRANDES FIESTAS DE ATENEA.



Las principales fiestas religiosas de Atenas eran las Panateneas, en honor de la diosa defensora de la ciudad. El "cumpleaños" de Atenea se celebraba cada año: eran las pequeñas panateneas, celebradas en verano, a partir del día 28 del mes del hecatombeon. Desde el 566 ac., cada cuatro años, se celebraban las Grandes Panateneas, en las que participaba toda el Atica y estaba precedida de unos grandes juegos. Junto con los juegos ístmicos de Corinto, los píticos de Delfos, los nemeos y los Olímpicos, los juegos panatenaicos eran de los más famosos. Una diferencia: no eran panhelénicos, sólo aticos podían participar. Los Juegos comenzaban cinco días antes de la gran procesión de las Panateneas. A continuación, venían los certámenes de poesía y de canto. Los juegos comenzaban con una marcha de los atletas al Ágora de Atenas donde ofrecían sacrificos y elevaban plegarias. La carrera del Stadion (184 m) era el inicio del concurso. El hippios o medio fondo (1000 mts.) era una de las de mayor fama. Sin embargo, los atletas más considerados eran los que practicaban el pentatlón, prueba combinada de disco, salto de longitud, jabalina, carrera y lucha. Dentro de las pruebas de lucha, la más popular era el Pancracio, combinación de lucha y pugilismo, hasta el agotamiento final.




En el cuarto día de las Panateneas se trasladaban los juegos al exterior de la ciudad. Allí tenían lugar las competiciones ecuestres. El quinto día de las fiestas estaba ya reservado sólo a Atenienses. Juegos y danzas tribales daban paso a una fiesta nocturna de música, canto y baile. Esa misma noche se realizaba la carrera de antorchas, con el fuego sagrado, por equipos de tribus y por relevos de 40 corredores, cuyo inicio era la Academia y acababa en el Partenon. Nueve meses antes en la fiesta de las Calceas, la sacerdotisa de Atenea y las arréforas tejían un peplo o pieza de lana de 2x1.5 mts., destinado a envolver la estatua de Atenea Políada, protectora de la ciudad, que residía en el Erecteion. Era esta de madera y el peplo se le cambiaba todos los años. El día de la fiesta la muchedumbre empezaba a congregarse en la puerta de Dipilón antes del amanecer. La procesión comenzaba con las primeras luces. A la cabeza, las arréforas y el peplo, la Gran Sacerdotisa y multitud de mujeres portando regalos. A continuación iban los oficiantes de los sacrificios con los animales. Detrás los metecos y los músicos, seguidos de los ancianos y los jefes del ejército, todos ellos con rama de olivo.

Tras ellos, los apobates o guerreros, a pie, a caballo o en carro, seguidos de los vencedores de los juegos y de la masa popular. La procesión discurría por la vía Panatenaica, para acabar subiendo a la Acrópolis. Agolpados por la estrecha senda, llegaban hasta los Propíleos donde se detenían. En el pequeño templo de la Victoria Aptera o Nike se elevaban sacrificios. La entrada al recinto sagrado estaba prohibida a extranjeros. Una vez alcanzada la cumbre, la procesión pasaba por delante del Partenon y se dirigía hacia el altar de Atenea, cerca del Erecteion. Las arréforas entregaban el peplo a las ergastinas, que lo llevaban dentro del Erecteion. Se sacrificaban los animales en su honor y eran devorados. Las fiestas acababan al día siguiente con las carreras de apobates y las regatas.


Esta fiesta es lo que Fidias y sus discípulos esculpieron alrededor del templo de Atenea en forma de friso y que pronto veremos en la escultura clásica. Estaba dividido el friso en dos series que partían del ángulo suroeste, discurrían por los laterales y se encontraban en la fachada este. En la cara oeste se escenificaban los preparativos ecuestres de la procesión, los ancianos y los músicos; en el extremo septentrional del friso este unas muchachas llevan vasos de libaciones. Delante de ellos aparecen los dioses: Poseidon con barba, Apolo, Artemisa, Afrodita y Eros, precediendo a los maestros de ceremonias. Sobre la entrada del templo, Hefestos y Atenea con otras figuras, entre ellas, Atenea Políada recibiendo un regalo de una sacerdotisa. El resto de figuras cambian de orientación para unirse al desfile inicial. Sólo un detalle para los que puedan contemplarlo en el British Museum o en buenas imágenes: cada caballo muestra un gesto diferente, cada participante una actitud propia; y que decir de los peplos, de esos pliegues magníficos con los que Fidias nos regala... No hay relieve de la antigüedad que lo pueda superar y todavía hoy nos asombran por su naturalidad y belleza.


Sigue el Partenon y sus maravillas en algunas webs:




La información contenida en esta entrada es cortesía de Locus Amoenus.

9/27/2017

LOS ANTECEDENTES DEL ARTE GRIEGO: LA CIVILIZACIÓN CRETENSE Y LA CIVILIZACIÓN MICÉNICA.

En la época en la que todavía los griegos no se habían configurado como civilización, en las tierras en las que posteriormente se desarrollará esta extraordinaria cultura, ya habían surgido civilizaciones con una identidad propia que formarán parte del sustrato cultural griego. Hemos de destacar la civilización minoica en la isla de Creta y, en la península del Peloponeso, la civilización micénica.  En los siguientes videos podéis visitar aquellas tierras y su remota cultura: el recinto amurallado de Micenas y su famosa Puerta de los Leones, el Tesoro de Atreo la llamada tumba de Agamenón (ambos en la ciudad de Micenas) y el Palacio de Cnosos, en la isla de Creta.






EL ARTE CLÁSICO: EL ARTE GRIEGO. INTRODUCCIÓN HISTÓRICA.

El Arte Griego Presentación




From: tomperez, 1 day ago





Introducción al arte griego. Los condicionantes históricos y culturales.
Una aproximación a las claves que explican el desarrollo de la civilización griega y los fundamentos filosóficos y religiosos de sus manifestaciones artísticas.


SlideShare Link


9/26/2017

EL ANÁLISIS Y COMENTARIO DE OBRAS DE ARTE. ALGUNAS PAUTAS.





Esta ppt propone algunas pautas para el correcto desarrollo de nuestro análisis y comentario de obras de arte. Es una propuesta flexible que, como es natural, no se pretende única.

Puedes descargarte esta PPT en la plataforma slideshare:

http://www.slideshare.net/tomperez/comentar-una-obra-de-arte-2013-14

PLANTILLA GENERAL DE ANÁLISIS Y COMENTARIO DE OBRAS DE ARTE



Plantilla general con orientaciones para la realización del análisis y comentario de obras de arte. Con una sola mirada podrás visualizar todos los elementos necesarios para su realización. El análisis de una obra de arte ha de seguir un orden lógico y coherente, por lo que se recomienda seguir un itinerario explicativo que vaya de lo material (la clasificación y descripción de la obra) y el comentario estilístico, hasta culminar con la explicación del contexto histórico donde la obra se realiza.

9/22/2017

EL LENGUAJE ARTÍSTICO: LA PINTURA


Esta es la presentación que hemos utilizado en clase para aproximarnos al lenguaje pictórico:





Revisad el análisis que se hace de la obra de E. Delacroix en la parte final de la misma, de modo que podáis comprobar cómo examinar los distintos recursos técnicos y formales que hemos comentado en clase. Por otro lado, aquí os dejo la relación de términos o expresiones propias de este lenguaje, para que iniciéis vuestro particular glosario
    Ahí van: iconografía, iconología, fresco, temple, mosaico, vidriera, óleo, lienzo, pintura de historia, pintura de género, naturaleza muerta, colores primarios, colores secundarios, colores cálidos, colores fríos, composición cerrada, composición abierta, simetría, escorzo, claroscuro... Son 20 términos... He eliminado algunos (que, no obstante, irán apareciendo) para que no os sintáis abrumados...

Ha de quedar claro que este glosario no es más que una primera aproximación lingüística que, necesariamente, se irá enriqueciendo a lo largo del curso. Ya sabéis: si el arte es un lenguaje, tenemos que aprender de qué recursos se sirven los artistas para expresarse...


9/21/2017

EL LENGUAJE ARTÍSTICO: LA ESCULTURA


EL LENGUAJE ARTÍSTICO: LA ESCULTURA.

from Tomás Pérez Molina

Estimados alumnos, aquí tenéis la presentación sobre el lenguaje escultórico; varía algo sobre la que hemos utilizado hoy en clase, pero coincide en todo lo necesario. También os señalo aquellos términos, propios de la escultura, que os permitirán enriquecer vuesto "glosario" de términos artísticos. Ahí van: escultura exenta, relieve, bajorrelieve, altorrelieve, schiacciato, modelado, soldadura, encolado, esculpir, cincelar, tallar, vaciar, busto, torso, herma, atlante, cariátide, escultura ecuestre, perspectiva, escultura figurativa, escultura abstracta, idealización, esquematismo, realismo. Recordad que hay que darles una definición precisa aunque breve.





9/20/2017

EL LENGUAJE ARTÍSTICO: LA ARQUITECTURA

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Las anteriores diapositivas se añaden a las que conforman la siguiente presentación. Recordad que nuestro objetivo es familiarizarnos con los elementos propios del lenguaje arquitectónico. Tiempo habrá para profundizar en el análisis de una obra arquitectónica. Ahora hay que aprender a "hablar" esta nueva lengua.






9/15/2017

¿QUÉ ES EL ARTE? SI EL ARTE ES UN LENGUAJE...

Dos presentaciones para aproximarnos al arte desde una perspectiva más formal.
 
Y otra, por el mismo precio, cortesía de otra profesora



¿Ha cambiado, de algún modo, la visión que tenías sobre el arte? ¿Por qué?
Podemos mantener abierta una línea de reflexión en este espacio, así que se admiten nuevos comentarios.

9/13/2017

UN COMIENZO: ¿QUÉ ES EL ARTE?

    Iniciamos nuestro viaje por la Historia del Arte, interrogándonos acerca de ¿Qué es el arte? y quiénes lo han hecho (y lo hacen) y, para ello, nada mejor que la lectura de este texto *, en el que se nos narra un posible comienzo...





    "Un amanecer de hace 25.000 años, en algún lugar cercano a lo que hoy llamamos el mar Cantábrico, un grupo de hombres —seguro que eran hombres— se abrió paso monte arriba entre los acebos y los tojos, camino de una gruta en cuya oscuridad se adentraron valientemente, iluminándose con grasientas teas. Aquella mañana milagrosa, sobre las paredes de la caverna dejaron la representación pintada o grabada de los animales de su entorno, caballos, bisontes o ciervos. Y una curiosa cantidad de siluetas de manos, que lograron hacer colocando sus palmas contra la piedra y escupiendo alrededor pigmento de ocre.
Sí, el arte paleolítico lo hicieron los varones. Eso es lo que siempre imaginamos: eran ellos quienes se dedicaban a esa actividad religioso-artística. Hombres. Cazadores y brujos, y también pintores. Pero ¿por qué ellos? ¿Hay pruebas que demuestren esa autoría masculina? Existen pruebas, en efecto, pero no en ese sentido. Los expertos siempre pensaron que, dadas las diferencias de tamaño, buena parte de las manos plasmadas en las cavernas debían de ser manos de mujer. Ahora, un programa informático diseñado por científicos del Centre National de la Recherche Scientifique (el CSIC francés) lo ha demostrado: algo más de la mitad de esas siluetas corresponden, por sus medidas y su morfología, a cuerpos femeninos. Las mujeres estuvieron allí, y podemos suponer que participaron igualmente en la representación de otras figuras. En el paleolítico hubo mujeres “artistas”, que pintaron en las grutas entremezcladas con los hombres. Si nunca nos las imaginamos en esa tarea, es sin duda a causa de ese prejuicio tan asentado en nuestros cerebros que nos lleva a creer que casi todas las cosas importantes de la humanidad —salvo parir— las han hecho los hombres. (...)"

 *Hoy (era 2012) trae el diario EL PAIS un magnífico artículo de opinión, firmado por Ángeles Caso, periodista y escritora.

Aquí os dejo el enlace, por si queréis leer y saber más:

 https://elpais.com/elpais/2012/03/07/opinion/1331119919_442911.html

Si has llegado hasta aquí, vete pensando en qué responderías a preguntas como:
a) ¿Qué es el arte?
b) ¿Quién decide lo que es arte?
c) ¿Dónde reside el valor de una "obra de arte"?
d) ¿Por qué el arte está en los museos (y no sólo)?

Y otras muchas más que irán surgiendo por el camino... Mañana en clase, hablaremos de ello.

El profesor

UN NUEVO CURSO: YA HEMOS VUELTO. BIENVENIDOS AL CURSO 2017/18


    Un año más, un nuevo curso... la historia se repite. Y otra vez me remito al venerable y sabio Tucídides y, como él, proclamo que la Historia del Arte es, también, un incesante volver a empezar, como Sísifo.
   Os doy la bienvenida a este nuevo viaje que iniciamos como otras veces, pero ya os aviso que nuestra travesía recorrerá las mismas tierras, islas o penínsulas, los mismos mares y océanos que otros, antes que vosotros, han recorrido... Y lo haremos bajo el mismo cielo que ilumina al ser humano desde el alba de los tiempos. Y eso sin contar con que gran parte de la marinería ya ha viajado con este humilde Odiseo a otras latitudes.
   Cuando lleguemos a la orilla de esa tierra prometida que es el mes de junio (vuestra Ítaca particular y anhelada), vosotros ya no seréis los mismos y yo, bueno yo... seré un año más joven y, si los dioses quieren, también un poco más sabio, pues no hay mejor elixir para el conocimiento de la vida y la juventud de espíritu, que el contacto con las jóvenes y curiosas criaturas que despiertan al mundo del arte y de la vida.
   Os dejo, en el siguiente post, un hermoso texto con el que empezaremos a reflexionar sobre algo tan fascinante como inaprensible: ¿Qué es el arte? . Leedlo con antención porque mañana en clase, este será nuestro texto de referencia. Y sólo para empezar.

¡Feliz travesía y que los astros nos sean propicios!

El profesor

5/23/2017

EL FAUVISMO, LOS ARTISTAS

EL Fauvismo



Protagonistas del fauvismo
FauvismoEl fauvismo fue un movimiento pictórico francés de escasa duración. Se desarrolló entre 1904-1908 aproximadamente.
El Salón de Otoño de 1905 supuso la primera exhibición para el grupo. El crítico de arte Louis Vauxcelles tras contemplar las gamas cromáticas estridentes y agresivas de los trabajos expuestos les atribuyó el término "fauves", que en español significa fieras. El nombre asignado era en origen un calificativo peyorativo, como les sucedió a otros movimientos artísticos del S. XX, pero fue asumido por el público y posteriormente introducido en la historia del arte sin connotaciones despectivas.
El movimiento se fraguó en torno a Henri Matisse y sus integrantes fueron André Derain, Maurice de Vlaminick, Henri Manguin, Albert Marquet, Jean Puy y Emile Otón Friesz. En 1906 se unieron también George Braque y Raoul Dufy.
El Fauvismo no fue un movimiento conscientemente definido, careció de un manifiesto. Fue un mosaico de aportaciones en el que cada pintor acometía sus obras como una experiencia personal cargada de espontaneidad y de frescura. Les unió la actitud violenta con la que se enfrentaron a los convencionalismos de la época rechazando las reglas y los métodos racionales establecidos. Reaccionan contra el Impresionismo y contra la importancia que éstos habían dado a la luz a costa de la pérdida del color.
Los fauvistas creían que a través de los colores podían expresar sentimientos y este pensamiento condicionó su forma de pintar. No buscan la representación naturalista, sino realzar el valor del color en sí mismo. Por ello, rechazaron la paleta de tonos naturalistas empleada por los impresionistas a favor de los colores violentos para crear un mayor énfasis expresivo.
Emplearon una pincelada directa y vigorosa, con toques gruesos, sin mezclas, evitando matizar los colores. Las figuras resultan planas, lineales, encerradas en gruesas líneas de contorno. Sus creaciones respondían a un ejercicio de sintetización, buscan la máxima intensidad emocional combinada con la máxima simplificación de elementos. Por ello renuncian a la perspectiva clásica, al claroscuro y al modelado de los volúmenes. La luz tiende a desaparecer y con ella la profundidad. Sus temas son retratos, naturalezas muertas, personajes en interiores, paisajes hermosos.
Otra característica es el gusto por la estética de las estatuas y máscaras africanas. El arte de los pueblos primitivos no es imitativo, sino que plantea un evidente alejamiento de las formas naturalistas para tender a la esquematización.
Precedentes del Fauvismo
Para hablar de los orígenes tenemos que recordar a Van Gogh y a Gauguin, ya que ambos huyendo del impresionismo, tomaron una ejecución libre y personal, impulsiva y pasional, a la vez que apostaron por obras intensamente coloreadas.

Protagonistas del fauvismo

Henri Matisse (1869-1954)
Considerado el líder de los fauvistas, fue el único de ellos que no cambió su dirección. Intenta expresar sentimientos a través del uso del color y de la forma.
Su primera formación la realizó dentro de la tradición académica en el estudio de Gustave Moreau, siendo condiscípulo de Roault y Marquet. Realizó numerosas copias de los cuadros de los maestros clásicos a la vez que estudió el arte contemporáneo, sobre todo el de los impresionistas, comenzando su propia experimentación.
Fauvismo. "La Alegría de vivir" Matisse
La verdadera liberación artística de Matisse, referida al uso del color como configurador de las formas y planos espaciales, se produjo bajo la influencia de Van Gogh y Gaugain. También adoptó la técnica puntillista de Signac, pero la modificó aplicando pinceladas más amplias. En La alegría de vivir (1905-1906) resume su aprendizaje inicial de los cuadros clásicos, de Gaugain, de las estampas japonesas y de los iconos persas y bizantinos. Será la obra clave de su carrera. Es una escena fruto de su imaginación, totalmente subjetiva. Utilizó el tema de las bañistas y las odaliscas orientales y las traspasa a un ambiente occidental. Definió los espacios mediante amplias áreas de colores sin matizar, estructurados por medio de las líneas de los cuerpos, que dirigen la vista del espectador y marcan el ritmo de la composición.
La construcción con el color y la simplificación formal dominaban sus cuadros con gran audacia y seguridad. Matisse dibuja con el color, que es el que da entidad a la pintura pudiendo desempeñar el papel de dibujo, de perspectiva y de sombra de volúmenes. En su obra hay alegría, serenidad, es un arte amable, apacible, es un camino hacia la profundidad de sí mismo.
Recibió un reconocimiento internacional durante su vida ganándose la aprobación de los críticos de arte y de los coleccionistas. Uno de los encargos más importantes fue La música y La danza, donde volumen y ritmo se conjugan armoniosamente. Usa tres colores para imprimir movimiento a los bailarines que parecen flotar con ritmo.
André Derain (1880-1954)
La mayor parte de su producción de época fauvista son personajes campestres y urbanos, como Puente en Londres (1906) y muestran colores puros, a menudo aplicados sobre el lienzo directamente con el tubo, pinceladas irregulares y despreocupación por la perspectiva o por la representación realista.
Andre Derain. Fauvismo
Hacia 1908 comienza a experimentar con otros estilos. La influencia de Cézanne le lleva a un colorido más sosegado y a un mayor control en sus composiciones. En Las bañistas (1908) intenta combinar las innovaciones de los pintores anteriores, como Monet y Cézanne. Le influyó el cubismo produciendo obras geométricas como El puente viejo de Cagnes y el primitivismo de la escultura africana. Sus últimas obras, posteriores a 1912 mostrarán cada vez más la influencia de estilos diversos.
Maurice de Vlaminck (1876-1958)
Es el autor de paisajes dramáticos que se inspiran directamente el colorido y la pincelada de Van Gogh. Sus obras fauvistas producen brillantes contrastes cromáticos, como es el caso de Árboles rojos (1906).
La aparición del Fauvismo en Francia en 1905 fue paralela al expresionismo alemán, particularmente a los pintores del grupo Die Brücke. Ambos movimientos marcaron la aparición de lo emocional frente al estudio calculado y teórico de la realidad.
Hacia 1908 comienza a deshacerse el grupo de los fauves, cada uno de sus componentes seguirán caminos divergentes. A partir de ese año, el cubismo asumió la vanguardia, a la que pronto se inclinarán Braque y Derain principalmente.

Fuente: http://www.arteespana.com/fauvismo.htm

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